Le blog de tuto.com
Alberto Seveso, vous le connaissez certainement, puisqu’on lui doit le visuel des packagings d’Adobe Photoshop CS6 Extended. Il vous propose, dans le cadre de l’opération TEN Saison 2, un PSD gratuit pour 24h seulement. L’occasion unique de découvrir comment l’artiste travaille.
Google Web Designer est un nouvel outil gratuit, de création de sites et d’animations en HTML5. Cet outil est avant tout pensé pour créer des bannières de pub animées, en HTML5 mais peut être utilisé également pour créer des animation ou même un site en HTML5. Tout ce qui est créé dans Google Web Designer est responsive (il s’adapte au support sur lequel le contenu est consulté). C’est un outil visuel, pas besoin donc d’être un développeur aguerri pour prendre en main l’outil, ce qui n’empêche pas que le code généré pourra être retouché à la « mimine » par la suite, si vous en avez l’envie et l’expérience.
Google Web Designer est donc ouvert publiquement en beta. L’outil se positionne d’ores et déjà comme un concurrent à la famille Edge de chez Adobe (outil qui a quand même un peu plus d’avance à ce jour).
A tester pour vous faire une idée (ou bien regarder les vidéos de Google Web Designer sur Youtube), l’application est compatible MAC (à partir de 10.7) et PC
Premiere Elements 12 vient également de sortir (en même temps que Photoshop Elements 12). Alors que retrouve t-on au niveau des modules de classement, montage, amélioration et partage ? Réponse : pas grand chose !
Bon. Cette version me laisse un peu perplexe. On ressent de plus en plus que le produit est arrivé à une certaine maturité, du coup, dur dur de trouver des choses à rajouter. On aurait préféré un cycle de vie, un peu plus long pour donner une réelle légitimité au produit, surtout lorsqu’on voit le prix de la mise à jour : 81,18€ (à partir de Premiere Elements 11) et 98,40€ pour la version complète.
On devrait tout de même voir arriver quelques tuto ou formations consacrés à Premiere Elments 12, dans les prochaines semaines.
Photoshop Elements 12 vient tout juste de sortir. Autant vous le dire tout de suite, ce n’est pas une version qui apporte une « révolution », comme vous allez pouvoir vous en rendre compte. On parlera plus de bonifications.
Côté tarif, comptez 98,40€ pour la version complète de Photoshop Elements 12, et 81,18€ pour une mise à jour à partir de Photoshop Elements 11(!). A noter la nouvelle compatibilité du produit avec les systèmes 64 bits (ce qui, au passage, sucre quelques fonctionnalités comme l’extraction magique, nouveauté de la version précédente).
On devrait voir arriver d’ici quelques jours les premiers tuto et formations consacrés à cette version de Photoshop Elements et également pour Premiere Elements 12.
Nous avons, tout de suite, été d’accord sur ce que nous attendions du court métrage. Nous voulions réaliser un clip alliant prise de vue et intégration cg (intégration d’éléments 3D, ou plus généralement tout objet généré par ordinateur) nous permettant d’exploiter nos compétences respectives, à savoir : la prise de vue et le compositing pour moi et les dynamiques et fluides pour Chloé et Adrien.
Nous étions d’accord sur le fait que nous voulions réaliser un court graphique dynamique avec un lien fort entre l’image et le son. Le clip était le format parfait à nos yeux. C’était une prise de risque dans le sens où si esthétiquement ça ne fonctionnait pas, le film ne fonctionnerait pas… Mais c’est vraiment ce qu’on voulait faire ! C’était le premier court du genre à Artfx (beaucoup de simulations de fluides et de dynamiques) ; l’équipe pédagogique nous a vraiment fait confiance et aujourd’hui encore on les remercie !
Nos références étaient très larges, elles allaient du clip plus ou moins récent comme Splitting the atom de massive attack d’Edouard Salier à ceux de Tony Truand Datis , en passant par Fleur et Manu, Yoann Lemoine (Woodkid), etc…… Mais aussi de longs-métrages avec par exemple la scène d’intro de Snow white and the huntsman et tout un tas d’images récupérées au fur et à mesure de la phase de préprod !
Les étapes de réalisation du film se résument globalement à : la préprod, le tournage et la postprod.
La preprod, qui est une phase essentielle à la conception d’un film ; Elle nous a pris un peu moins de 4 mois ; de septembre à mi-decembre très exactement. C’est durant cette période de preprod que nous développons le concept du film, tant sur le fond que sur la forme : scénario, découpage technique, planning, storyboard, moodpanels (références visuelles), animatique, feuilles de tournage… Tout cela pour savoir où l’on va, afin que le tournage et la post prod se déroulent sans problème. C’est une phase assez angoissante car on se pose un millions de questions sur comment faire ceci ou cela pour essayer de prévoir d’éventuels problèmes. En général, sur de “vraie” prod, les différentes étapes sont réparties entre de nombreuses personnes ; chacun ayant sa spécialité. Là nous étions trois pour tout faire ; jusqu’aux courses pour les repas durant le tournages !…
Le tournage, quand a lui, je pense que tout le monde sait à peu prés à quoi ça ressemble. Ce qu’il faut en retenir, toutefois, c’est que nous étions 13 sur le tournage avec pour chacun un rôle bien précis : réalisateur, superviseur FX, régisseur plateau, techniciens, script… C’était la seule façon de boucler tous les plans en si peu de temps ! C’était donc assez rigoureux, même si on s’est quand même bien marré…
Nous avons tourné tous les plans que nous souhaitions (même plus !). Et nous avons été très contents du résultat et avons donc pu attaqué la phase que nous attendions avec impatience : la post-production ! C’était pour nous trois un grand soulagement d’avoir terminé le tournage ; un gros poids en moins. Personnellement, à partir de ce jour là, 80% du stress que j’avais accumulé, ces six derniers mois, s’était envolé !
Nous avions un peu plus de 5 mois pour cette phase de post-production; Voilà comment elle s’est déroulée : Vaimiti Guesdon, une étudiante freelance, a modélisé la quasi totalité des éléments présents dans le film pendant qu’Adrien et Chloé ont commencé à travailler principalement sur les dynamiques (explosion des objets, simulation de fluides). En parallèle, je me suis occupé du dérushage, montage, tracking et layout.
Toutes ces étapes ont été réalisées simultanément afin de gagner un maximum de temps : lorsqu’une simulation de dynamique était terminée, nous l’importions dans la scène Maya que j’avais préparé durant la phase de layout (le layout consiste à recréer une modélisation plus ou moins basique de la scène afin de récupérer les interactions d’ombre sur les murs, par exemple, et de placer la caméra issue du tracking), puis la scène partait entre les mains de Chloé Mesnage, autre étudiante freelance, qui s’est occupée de 90% du rendu du film.
Une fois le plan rendu, je n’avais plus qu’à récupérer les passes sorties de Mental Ray (le moteur de rendu utilisé pour tout le film) et à m’attaquer au compositing et à l’étalonnage.
Voilà de manière très (trés) résumée comment s’est déroulée la post production du film. On peut également ajouter la création des HDRI d’après les photos prisent sur le tournage ou encore l’animation des plans. C’est Adrien et Chloé qui s’en sont occupés en parallèle de leurs simulations.
Je pense qu’on a, tous, appris énormément en 1 ans, et pas seulement techniquement…
Pas mal de softs ! Mais voici la shopping list :
Le choix de ces logiciels est simple : ce sont majoritairement les logiciels les plus utilisés dans les studios de post production, que ce soit en France ou à l’étranger. L’école a, d’ailleurs, conclu des partenariats très fort avec plusieurs développeurs tels que The Foundry, Solid Angle, Video Copilot ou Pixelux par exemple.
J’étais responsable du projet, de la direction photo, du montage, du tracking, du layout, du compositing et de l’étalonnage.
Les défis étaient nombreux sur ce film, à commencer par le tournage, dans la mesure où notre film était très axé prise de vu live. Nous avons tourné mi-décembre. Autant dire que les journées étaient très courtes et qu’il faisait très (très !) froid !
Nous nous levions très tôt pour optimiser nos journées car vers 16h30 / 17h, la lumière n’était plus suffisante ! Nous avions une centaine de plans à tourner en 4 jours, ce qui était relativement intense. J’en profite pour remercier tout le “lustucrew” (les treize personnes du tournage : dix élèves de la promo et deux professeurs venus nous aider durant tout le tournage) qui s’est donné durant ces quatre jours. C’était une superbe expérience ! Je réalise beaucoup depuis quelques années mais c’était, pour nous trois, notre premier tournage de cette ampleur !
Les simulations de dynamique et fluide étaient un autre gros challenge à relever, mais Chloé et Adrien s’en sont très bien sortis. A aucun moment, nous n’avons dû revoir nos exigences à la baisse.
Pour ma part, en tant que Digital Compositor, ce projet était très enrichissant car j’ai dû toucher à tout ; des tâches purement techniques comme la rotoscopie ou la projection 3D à des choses qui demandaient un œil un peu plus “créatif” comme le compositing de passes, le relight ou l’étalonnage.
Pour voir le making of, c’est par là !
Le fait de contribuer sur tuto.com apporte un vrai recule sur soi et sur ses compétences. C’est toujours très agréable d’avoir des retours positifs et je suis ravi lorsque je reçois des mails de personnes me posant des questions et voulant approfondir un peu plus les choses. Je pense que c’est ce que j’aime dans ce métier : pouvoir transmettre, partager ses tips, rencontrer de nouvelles personnes aussi passionnées que toi et j’espère qu’un jour, en parallèle de mon travail, j’aurais la chance de pouvoir enseigner face à une classe.
J’ai eu très peu de temps cette année pour contribuer. Mon dernier tuto remonte à l’année dernière, mais je compte sérieusement poster de nouveaux tuto sous peu ! En un an, j’ai pas mal évolué et appris pleins de tips qui pourraient, j’en suis sûr, servir à beaucoup…
Nuke est un logiciel que j’utilise quotidiennement et qui s’est imposé ces dernières années comme la référence du compositing dans les studios. Cependant c’est un logiciel un peu déroutant au premier abord et il existe très peu de tuto sur le net ; encore moins en français.
Je me suis dis qu’il y avait peut être un public demandeur de tuto Nuke en français et un peu plus “artistiques” que la théorie des espaces colorimétriques ou les modes de fusion… Les tuto Nuke restent relativement fermés au grand public. Et je ne me suis pas trompé. Même si, proportionnellement, j’ai vendu plus de tuto sous After Effects, j’ai reçus beaucoup de mails de personnes souhaitant en apprendre plus. C’est très encourageant !
Je vais donc continuer à proposer des tutos sous Nuke, et bien évidemment After Effects !
Pour voir les tuto de Valentin Tuil, c’est par ici.
Je pense que notre milieu souffre d’un problème majeur : le manque de reconnaissance du grand public. Clairement, les gens n’ont pas la moindre idée de la manière dont on réalise une image et je pense que la grande majorité d’entre eux s’en contrefichent. Nous sommes, de toute façon, arrivés à un tel stade de photoréalisme que plus personne, aujourd’hui, ne se doute que des centaines de gens ont passé des nuits blanches pour créer entièrement le tigre de l’Odyssée de Pi ou même, sans aller dans le fantastique, effacer les jambes de Marion Cotillar dans De rouille et d’os.
C’est un peu le paradoxe de ce métier ; plus réaliste est ton travail, moins les gens se doute que tu as travaillé.
Après (et ce n’est que mon avis de jeune qui démarre), même si tout n’est pas parfait, nous ne sommes pas à plaindre non plus. Passer ses journées avec des collègues passionnés, amis pour la plupart, à travailler sur des plans qui seront probablement vus par des milliers de personnes, ça reste quelque chose d’exceptionnel ! Maintenant, une chose est sûr, c’est qu’il faut être passionné et ne pas avoir peur de finir tard…
Bien qu’au cours de nos études chez Artfx nous étions tous à l’affût des moindres infos, difficile de parler de l’évolution de notre milieu ces dernières années ; j’arrive à peine sur le marché du travail. Je ne sais pas vraiment quelles étaient les conditions avant. Mais mon entourage professionnel m’a confirmé, de nombreuses fois, que c’est de plus en plus compliqué ; il faut toujours faire mieux, plus vite et pour moins cher.
J’ai toujours été passionné par ce milieu. Bien que j’ai conscience des mauvais cotés, je ne compte pas changer pour autant…
J’ai eu l’opportunité d’intégrer le studio Nightshift un peu plus d’une semaine après notre jury de fin d’année. C’est assez fou, la vitesse avec laquelle les choses se sont déroulées. Aujourd’hui encore je n’en reviens pas, d’autant plus que je ne suis pas un cas à part, loin de là. La quasi totalité des étudiants de ma promo a trouvé du travail en France ou à l’étranger. Je pense que c’est réellement la force d’Artfx, une école très pro, qui se remet tout le temps en question afin d’améliorer son enseignement face aux évolutions du métier. De plus, la relation studio / école est très forte. Artfx a réussi, en très peu de temps, à se forger un nom et à devenir une référence dans le milieu.
En ce qui concerne mes projets, rien de très significatifs ; quelques projets professionnels en cours, dans le sport et la musique principalement. En revanche, j’ai terminé, il y a quelque mois, un projet personnel/pro qui me tient particulièrement à cœur : le DVD « WOLFPACK » dédié au roller agressif. J’ai pris en charge l’ensemble du projet, de la prise de vue et montage, en passant par le compositing et le color grading, jusqu’à l’authoring du DVD. On y voit notamment la deuxième team de la marque française ARCENA créée par Mourad Leuchi.
Pour l’anecdote, c’est grâce au roller que j’en suis là actuellement. J’ai commencé à filmer nos « figures » avec la caméra de papa, il y a dix ans, et je ne me suis jamais arrêté. Comme quoi, ça ne tient à pas grand chose de trouver sa voie !…
J’aimerais, d’ailleurs, pouvoir continuer à réaliser en parallèle de mon travail de Digital Compositor. Après, même si j’adore ce milieu, il faut aussi savoir relâcher de temps en temps. Et j’espère bien pouvoir consacrer à ma copine, ma famille et mes amis tout le temps que je n’ai pas pu leur accorder durant ces 3 années d’études !
Serge Ramelli, connu sous le pseudo de Photoserge, est l’un de nos contributeurs préférés. Ses nombreux tutoriels (majoritairement Photoshop et Lightroom) sont systématiquement des hits. Il était donc normal, que ce Monsieur se fasse vite repérer par un éditeur et c’est Pearson qui a réussi le premier à signer Serge (Pearson qui assure déjà la promotion de Scott Kelby sur le marché Français). Ainsi, 2 livres signés Serge Ramelli viennent de paraître :
Pearson introduit ici un format original qui mêle à la fois le livre d’apprentissage traditionnel sur papier, couplé à du tutoriel vidéo en ligne (tutoriels que vous pouvez activer grâce à une zone à gratter imprimée à la fin du format papier). Ainsi ces 2 bouquins d’environ 180 pages proposent en bonus 2h20 de tutoriels vidéo pour Photoshop et 1h30 pour Lightroom.
C’est toujours un plaisir et quelques part une fierté, de voir des contributeurs présents sur Tuto.com bénéficier, en plus des gains générés par leur présence sur le site, d’une visibilité extérieure ou des demandes de prestations. Je tiens à mon tour à remercier et féliciter publiquement Serge qui a eu une petite pensée pour équipe de Tuto.com dans la préface de ses livres.
L’artiste new yorkais Danny Evans s’est amusé avec Photoshop pour découvrir à quoi pourrait ressembler nos stars si elle n’étaient pas passées par la case « Hollywood ». Aux antipodes de la retouche beauté qu’on leurs réserve traditionnellement, ce sont des portraits de stars dédéifiés, normalisés, plongés dans un quotidien banal qui nous sont livrés, brut de décoffrage. Et là, notre sacro-sainte Scarlett Johansson, déclenche tout de suite moins d’appétence.
Reste à savoir comment vous les préférez :)
MARI, édité par The Foundry (à qui l’on doit notamment Nuke et Modo), est un logiciel spécialisé dans le texturing 3D.
Peu connu du grand public, nous avons décidé de vous faire connaître MARI, car nous sommes persuadés qu’il fait parti de ces logiciels qui risquent de changer la donne dans les mois qui viennent (au même titre qu’un ZBrush ou qu’un Marvelous Designer). L’ascension de Mari a déjà commencé. La preuve : sur 10 films en shortlist dans la catégorie Visual Effects aux Oscars 2013, 9 l’ont utilisé (on peut par exemple citer The Hobbit, Prometheus ou encore The Avengers).
Pour la petite anecdote, bien avant de tomber entre les mains de The Foundry, MARI a été développé, en interne, par le studio Weta Digital pour les besoins du film Avatar.
Mais alors qu’est-ce qui rend Mari si incontournable ?
Tout simplement la possibilité de peindre directement sur votre modèle en 3D. Oubliez les galères de dépliage et le travail sur de l’aplat, avec MARI vous travaillez en live sur vos modèles en 3 dimensions !
Alors vous allez me dire que tout ceci n’est si nouveau et que Cinema 4D permet par exemple de le faire depuis quelques versions déjà avec son BodyPaint, de même que ZBrush et son PolyPaint, ou encore, le trop peu connu, blacksmith3d. Oui mais voilà, Mari est, comme je l’ai précisé en introduction, un logiciel totalement dédié à la peinture numérique et aux texturing. Du coup, une large palette d’outils est à votre disposition et notamment un système assez évolué de calques, couches et masques, qui n’a rien à envier à Photoshop. Mari vous permettra de travailler sans sourciller sur des modèles complexes (affichant plusieurs millions de polygones) et c’est d’ailleurs sur ce point il met K.O. Photoshop.
Le logo de Mari, représente une éclaboussure de peinture.
Mari est disponible sur PC, Liux est bientôt sur Mac, au prix de 1 440,00 € HT. A noter qu’une version de démonstration gratuite Mari et fonctionnelle 15 jours est également disponible.
Les premières fomations et tuto Mari devraient voir le jour prochainement sur tuto.com. En attendant, voici quelques vidéos qui vous feront découvrir le logiciel, histoire de bien vous mettre l’eau à la bouche :)
Adobe vient d’annoncer que la barre du million d’utilisateurs (premium) Creative Cloud a été franchie !
Malgré les critiques exprimées sur le net autour du modèle de l’abonnement, il semblerait qu’Adobe soit sur la bonne voie (tout en ayant « reculé » sur certaines positions). Cette adoption massive, est certainement due aux nombreuses mises à jour proposées depuis le lancement du Creative Cloud (que nous ne manquons pas d’aborder systématiquement ici même). Un rythme soutenu qui permet aux membres du cloud de bénéficier de nouvelles fonctionnalités, sans attendre le fin du du cycle de vie des produits.
Le fait de pouvoir retrouver tous ses réglages et préférences sur l’ensemble de ses postes de travail, illustre également un Cloud qui se veut dans son époque et en phases avec les usages actuels, multi-supports.
Adobe en profite pour confirmer son intention d’aller de l’avant dans l’innovation et annoncer une sortie des 2 produits dévoilés lors du dernier Max : Mighty et Napoleon, (respectivement, un stylet et une règle) tous 2 prévus pour le premier semestre 2014 !
En introduisant du hardware aux côtés du software, on pouvait imaginer qu’on verrait naître des passerelles entre les 2 mondes. Ça sera bien le cas ! Mighty sera en effet connecté au cloud. Deux app nouvelles verront également le jour : Parrallel (une application iPad de dessin totalement pensée pour Napoleon) et Contour (prenez une photo d’un objet ou d’une forme depuis votre iPhone et travaillez-la avec Napoleon sur un iPad pour esquisser des lignes architecturales).
Le hardware et le software, main dans la main pour vous aider à poser vos idées où que vous soyez (avant de les développer plus sérieusement sur les solides applications du Creative Cloud. Personnellement, j’aime plutôt la direction adoptée par les équipes d’Adobe.
Voici un tuto maquillage, en vidéo, qui vous apprendra à vous maquiller comme Nicki Minaj :