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Pouvez-vous vous présenter en quelques mots ?

Mon nom est Sergio Del Puerto mais je suis plus connu sous le pseudo de Serial Cut, le nom de mon studio, spécialisé dans la direction artistique, que j’ai crée en 1999.

Parlez-nous de votre formation: avez-vous suivi un parcours universitaire ou êtes-vous autodidacte ?

Je suis un autodidacte. J’ai commencé à étudier la communication audiovisuelle à la Faculté des Sciences de l’Information de l’Université Complutense de Madrid. Je me suis très vite intéressé au design en allant régulièrement à la bibliothèque. Internet était en effet peu répandu à cette époque… J’emmagasinais alors autant d’informations que possible tout en suivant en parallèle des cours d’art.

Puis j’ai commencé à travailler avec mon ordinateur. Mon premier travail a été de créer des flyers pour les boîtes de nuits de Madrid. C’est à cette période que j’ai rencontré Paloma Rincon, une camarade de classe, qui débutait, elle, dans la photographie et dont sa passion se complétait très bien avec la mienne pour la conception graphique. Nous avons suivi notre propre chemin jusqu’en 2005 où nous nous sommes retrouvés.

Entre temps, de mon côté, j’ai continué à étudier et avant même d’avoir terminé mon cursus, j’ai eu mon premier emploi au magazine Vanidad, dédié aux tendances. Cette première expérience m’a rapidement apporté d’autres opportunités. Ainsi, toujours parallèlement à mes études, j’ai aussi travaillé en freelance pour El Pais et pour des studios de design.

J’ai gardé ce rythme soutenu jusqu’à il y a 5 ans où j’ai obtenu mon indépendance. Lorsque je me suis mis à mon compte, j’avais déjà un certain nombre de clients issus de mes expériences précédentes. Tout s’est fait progressivement, étape par étape, avec de plus en plus de clients prestigieux et des travaux toujours plus intéressants. Il y a quelques temps, j’ai commencé à travailler avec d’autres designers, le premier à être arrivé au studio s’appelle Jimmy et l’équipe s’est agrandie au fil du temps.

Quelles sont vos influences ?

Je suis influencé par l’art, l’architecture et bien sûr le design ! J’aime étudier ce qui a été fait, pour chercher d’anciennes références, des classiques sans pour autant me focaliser dessus. J’aime revisiter des références pour les réactualiser. Par exemple, nous avons rendu un petit hommage à Magritte dans l’une de nos réalisations où la pomme était l’élément central de l’image. J’apprécie aussi réellement le travail de Herb Lubalin, c’est le meilleur designer dans le domaine de la typographie. Dans le livre que j’ai écrit, il y a une liste de tous ceux qui m’ont influencé. Je peux également être inspiré par un film ou un souvenir d’enfance par exemple… Petit, je ne comprenais pas le plaisir des autres garçons de mon âge à faire se battre des figurines, là où mon plaisir à moi était de les disposer simplement devant moi pour les prendre en photos. Aujourd’hui, j’aime toujours à créer ces scènes de vie et à les immortaliser sur un cliché.

Vos influences et inspirations ont-elles eu un impact sur votre style et votre travail ?

Oui, et c’est quelque chose dont nous ne nous cachons pas. Par exemple, il y a un hommage au Monty Python, que j’ai toujours aimé, sur la couverture de mon livre. Ce sont clairement eux qui m’ont inspiré.
Même chose avec Magritte. Ce sont leurs influences que vous pouvez retrouver dans nos travaux, mais toujours avec notre empreinte artistique.

Comment définissez-vous votre style ?

C’est une question que je me suis toujours posée et à laquelle j’ai toujours eu peu de réponses. Mais Alex Trochut, un de nos amis, nous défini très bien. Selon lui, nous sommes un croisement entre le surréalisme, la culture pop et le luxe, auxquels je rajouterais l’ironie. Je pense qu’il nous a bien défini, et cette citation est d’ailleurs sur la 4eme de couverture de notre livre.

Quel est le mot qui vous définit le plus ?

“Un bon travail appelle à un travail meilleur”. C’est ma devise car c’est ce que j’ai toujours voulu. Je me suis toujours battu pour que mon portfolio soit le meilleur des meilleurs, qu’il fasse parti de l’élite. C’est en voulant se perfectionner toujours plus, qu’on obtient les meilleurs projets. Et quelques très bons projets, c’est toujours mieux que de nombreux médiocres !

Pouvez-vous nous décrire votre méthode de travail pas à pas ?

Ça dépend du projet. Parfois je commence avec un crayon. En l’occurrence, pour Fotolia nous avons commencé avec un crayon, alors que vous pouvez faire un croquis sur Photoshop et travailler ensuite avec de la 3D. Je vais généralement du plus simple au plus compliqué. Même si je finalise rarement mes créations – ce sont mes collaborateurs qui s’en chargent – je donne l’idée directive du projet dans mes croquis. On se marre souvent parce que mes croquis sont assez sommaires mais ils savent toujours comment les interpréter et les faire vivre. Pour réaliser quelque chose de réelle comme une nature morte, j’utilise toujours des croquis Photoshop qui simule parfaitement le rendu des effets et des couleurs. Quand il s’agit d’un travail concret pour un client, nous ne pouvons pas nous dire que nous allons changer l’arrière plan, ajouter tel ou tel élément, etc. Les changements de dernière minute sont impossibles. Dans le cadre d’un projet personnel, nous avons également besoin de dessiner plusieurs fois des croquis. Il faut donc toujours commencer par un croquis, c’est ça le plus important !

Quels sont vos clients pour lesquels vous préférez travailler ? Pourquoi ?

Je n’aime pas forcément travailler pour les très grandes marques ou grands groupes car on perd beaucoup en communication, il y a trop de filtres et la procédure est longue avant d’avoir une validation finale. Il y a différents niveaux de décision, de nombreuses modifications et au final la partie la plus authentique du travail se perd. Donc je préfère travailler avec une entreprise de taille moyenne, qui comprendra mon travail et dont les feedbacks plus directs et plus francs permettront d’arriver plus rapidement à un résultat satisfaisant pour les deux parties.

Quels sont vos projets pour les prochains mois ?

J’ai l’intention de me reposer un peu car depuis la publication de mon livre, je croule sous le travail ! Mais j’ai deux merveilleux projets en tête : le premier est le changement de l’identité visuelle du studio ; dont je m’occuperai quand j’aurais le temps. L’autre est un projet éditorial, dans le numérique… Ce projet s’est d’ailleurs concrétisé il y a peu de temps mais je ne peux en parler davantage pour des raisons de confidentialité.

Est-ce important pour vous de continuer à travailler sur des projets personnels en dehors de vos obligations professionnelles ? Pourquoi ?

Toujours ! C’est là que vous pouvez prouver votre valeur en tant que designer et vous faire un nom dans le milieu. Un portfolio devrait toujours contenir des projets personnels. Ils apportent quelque chose de nouveau, de frais. Et puis, ça peut être un investissement car ils peuvent inspirer les clients et les inciter à vous solliciter.

Si vous n’avez pas de projets personnels, c’est que vous n’êtes peut être pas suffisamment impliqué dans votre métier. Tous les designers devraient, selon moi, avoir leurs projets personnels. Et ne pas être de simples « exécutants », qui existent et que je respecte, mais qui selon moi ne se définissent pas comme designer.

Un designer doit avoir un leitmotiv en dehors des projets professionnels. Il faut faire quelque chose pour soi-même et le partager avec les autres. Et même si ça se transforme en projet professionnel, un designer a besoin de quelque chose qui vient initialement de lui, et il devrait toujours en être ainsi.

Vous venez d’un pays où la culture et l’histoire sont riches et profondes, cela vous influence-t- il?

En aucune mesure ! Je pourrais être à Helsinki, ça ne changerait rien. Je vis ici, parce que je vis ici, mais la culture espagnole ne m’influence pas. J’ai toujours eu une vision Internationale et créé mes travaux en anglais car plus universel. Oui, je dis que le studio est en Espagne, mais pour le moment, nous n’avons pas de clients espagnols, pour la plupart frappés par la crise.

Pensez-vous que, si vous aviez grandi dans un environnement / culture / pays différent, votre style et votre travail le seraient aussi ?

Oui, avec quelques nuances car il y en a toujours, mais je pense que mon style serait identique.

« D’où je viens? » Et « Où dois-je aller? »: est-ce-que ces questions résonnent dans votre travail ?

D’où je viens ? Non, parce que je sais d’où je viens. Où je vais ? Oui, c’est quelque chose que je prends en compte, parce que je vérifie toujours qu’il y ait une évolution, à la fois personnelle et professionnelle. Souvent, lorsque je discute au studio de la création d’une nouvelle image, c’est tout simplement pour la faire évoluer. Mais je dois aussi être réaliste, même s’il y a un style que j’apprécie particulièrement, je ne peux pas me l’approprier s’il diverge du mien, il faut rester cohérent avec soi-même. Il faut rechercher une évolution naturelle. Ce n’est pas suffisant de se dire « je vais changer », il faut de la volonté.

Pourquoi avez-vous rejoint le projet TEN?

Je trouve le projet TEN by Fotolia extrêmement riche et intéressant, notamment sa dimension internationale. J’apprécie l’esprit communautaire entre artistes et créatifs. C’est ensemble, que nous faisons grandir le projet. Je sais que ce concept plaît énormément aux créatifs et je suis très heureux et fiers de partager notre travail. J’espère que les designers apprécieront notre PSD car il est très complet et fourmille de détails.

Quel est votre avis sur la créativité ?

Au final, tout est bon et tout est mauvais. La créativité peut prendre différentes formes, chacun l’interprète à sa façon… La créativité est subjective.

Selon vous, quelles sont les qualités d’un grand designer ?

Un créatif doit avant tout surprendre, visuellement ou conceptuellement, peu importe. Mais le parti pris créatif doit être puissant et se singulariser. Ce qui est le plus difficile mais le plus nécessaire c’est d’avoir sa propre identité visuelle et un style authentique.
Ça rejoint la même idée que ma réponse sur la créativité, tout a déjà était fait, inventé, mais c’est en travaillant sur un angle différent que l’on va innover. Les autres qualités qu’un designer doit avoir c’est ce dont nous avons déjà évoqué : la capacité et la volonté de développer et de défendre ses propres projets.

Quel serait votre conseil aux jeunes artistes qui voudraient suivre votre exemple ?

Mon premier conseil est de consacrer beaucoup de temps et d’efforts à ses réalisations. Vous pouvez être chanceux, vous pouvez être talentueux mais si vous ne travaillez pas dur, votre avenir est incertain. J’ai atteint mes objectifs avec beaucoup de détermination et de travail. J’ai été capable de faire beaucoup d’efforts, car j’aime ce que je fais. Vous ne devez rien craindre, vous devez tout essayer ¡ Quand vous commencerez, vous serez confrontés à de nombreux défis mais vous devrez rebondir sur toutes les opportunités. Par ailleurs, il est important de voyager, de découvrir de nouveaux lieux, bref, de ne jamais cesser de vous stimuler visuellement.

Avez-vous plus d’information ou “astuces” à révéler sur votre travail et les techniques que vous avez utilisées pour le créer ?

La lumière est très importante pour recréer le réalisme de ce type de réglages, tous les effets et les ombres doivent correspondre. Dans notre travail, il y a deux sources de lumières, la première vient d’en haut et la seconde de la droite. Le rendu de la scène 3D prend en compte ces éléments et nous avons dû retravailler certaines photos. Par exemple, le tabouret, qui est une photo de Fotolia, avait déjà de la lumière au-dessus et à sa droite, mais trop forte. Nous avons adouci la lumière avec Photoshop. L’ombre ne peut pas être créée avec Photoshop. C’est difficile d’avoir de bons résultats avec le dégradé venant du gris vers le transparent, nous avons donc créé 4 pieds en 3D pour générer de l’ombre avec Cinéma 4D et par la suite nous avons mis le tabouret dans un coin isolé sur les éléments 4D. Le fond derrière la scène était bien trop brillant pour que nous appliquions une texture usagée dessus. Le Polaroid a une lumière opposée, donc nous l’avons modifiée avec Photoshop et nous avons modifié également le reflet de la lentille. La tâche bleue a été créée avec un nouvel outil de Cinéma 4D, Scult. Vous commencez avec un cube et ensuite avec votre stylet Wacom, vous modifiez en tirant sur un côté et sur l’autre jusqu’à obtenir la forme que vous souhaitez.

Vous incorporez divers médias dans votre travail (3D, dessins, images, vecteurs …) : pouvez- vous nous en dire plus à ce sujet?

Nous avons utilisé de la 3D et des photos Fotolia, rien de plus. Les éléments 3D sont tous nouveaux, excepté quelques-uns que nous avions déjà créés, mais pas utilisés. Par exemple, les chaussures ont été créées avec 3DS Max pour un autre projet pour lequel nous n’en avons finalement pas eu l’utilité. Par contre, pour le projet Ten, ces chaussures avaient toute leur place.

Avez-vous utilisé vos techniques habituelles ou de nouvelles?

Notre réalisation est parfaitement fidèle à notre style : une base 3D améliorée par le photomontage. C’est très Serial Cut, comme ce que nous avons fait jusqu’ici.